La fotografía como captura de lo invisible

Con una estética singular, el fotógrafo guatemalteco Luis González Palma juega con la mirada del espectador creando escenas y atmósferas fuera del tiempo.

No parecía ser el camino más lógico: él era arquitecto, pero hubo algo en la imagen fija que cautivó a Luis González y lo hizo abandonar todo para convertirse en fotógrafo. Embarcándose en una búsqueda donde la fotografía tenga un toque personal, espiritual, más allá de la realidad tangible.

Los rayos del sol del atardecer atravesaban las amplías cristaleras del Museo de la Universidad de Navarra, impregnando la sala un tono cálido y acogedor. Era la inauguración de Constelaciones de lo intangible, la exposición fotográfica del artista Luis González Palma (Guatemala, 1957) producida por la Fundación Telefónica. Según la página oficial del museo, se trata de una retrospectiva articulada por medio de constelaciones temáticas que abarcan su corpus creativo que cuenta con las piezas creadas entre 2014 y 2015 para el programa curatorial ‘‘Tender Puentes’’ del Museo Universidad de Navarra.

Las obras de González Palma se acomodan con armonía a las salas del museo universitario. Cada sala se impregna de diversas sensaciones por las distintas fotografías expuestas. Se diría que las obras de cada sala representan una etapa distinta de la vida del artista. Y a través de ellas, los visitantes podrán seguir la evolución artística del fotógrafo, donde las imágenes quieren reflejar claramente la condición humana. ‘‘La representación de una experiencia sagrada del individuo en donde yo me reconozca’’, asegura González Palma.

Bajo el título Constelaciones de lo intangible, el autor recoge 25 años de su carrera, que constituye una reflexión profunda sobre la mirada. En sus primeras series se compromete con la situación de las poblaciones indígenas con el objetivo de hacer entender la diversidad étnica y cultural donde mantiene una posición crítica respecto el contexto sociopolítico en Guatemala.

Sus retratos muestran a miembros indígenas de manera frontal, cara a cara con el espectador. A través de sus rostros y sus miradas, emergen aspectos inmateriales como el miedo, el trauma o el dolor, sentimientos propios de la violencia sufrida en Guatemala durante siglos. Todos sus retratos exhalan un grito del silencio que su generación hubo de soportar frente a la omnipresente violencia de la guerra civil guatemalteca. El uso de los materiales empleados para las fotos da a las imágenes un aspecto de antigüedad, como si se tratase de testimonios personales que con sus miradas piden auxilio.

En los años 90, González Palma deja de lado el retrato para centrarse en espacios y objetos que sugieren y evocan metáforas de mundo íntimo del fotógrafo con una reflexión introspectiva. Se desvincula de la cultura indígena y de Guatemala cuando surgen cambios en su vida: formar una pareja, el nacimiento de un hijo y el traslado a Argentina, que suponen el inicio de una nueva etapa artística basada en una ‘‘política sentimental interna’’.

Jerarquías de intimidad es el título bajo el que se agrupan un conjunto de series donde predominan aspectos como la introversión, la intimidad, la incomunicación, la angustia o la frustración del deseo amoroso, que se muestran en espacios irreales y fantásticos. Estas obras están centradas en espacios con objetos que muestran una serie de metáforas: sillas en las que nadie se puede sentar, objetos que dan la sensación de amenaza, ambientes terroríficos y desolados.

Las técnicas empleadas por el artista recuerdan a la fotografía antigua, imágenes misteriosas que inquietan al espectador, cargadas de antítesis desconcertantes y a la vez de paz; una silla pegada de frente a la pared y con el asiento lleno de clavos en punta (‘‘Para no hablar de ella’’); un piano solitario con rocas sobre determinadas teclas (‘‘No quería hablar de esos años’’); una cuna sin una pata en una habitación llena de vitrinas con aves disecadas (‘‘Mientras esperaba pensaba en el sueño’’). Todas ellas reflejan una sensación de inquietud, sufrimiento, encarcelamiento y de miedo, aunque siempre hay cabida para la libre interpretación.

Destacan series como La luz de la mente (2005), que recoge los paños de pureza de Cristo crucificado siendo sostenidos por hilos que crean figuras armoniosas con los pliegues de los paños. O también La Anunciación (2007), una obra que se asemeja con las manos pintadas por maestros de la pintura barroca que son moldeadas al libre gusto de González Palma.

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Este fotógrafo ha conseguido desarrollar una marca que lo identifique, un sello único mezclado técnicas tradicionales con atmósferas fuera del tiempo real. Sus modelos a seguir, de hecho, no provienen del mundo de la fotografía, sino más bien de la pintura y la escultura. Ha hecho una recopilación del arte barroco, creando espacios que se habitan desde una perspectiva natural, que al formarse como arquitecto se refleje la espacialidad en sus obras rompiendo con las dos dimensiones. No se trata de fotografías tradicionales, ya que los materiales que emplea como el betún de judea, pan de oro, acetado y demás, les confieren una naturaleza muy plástica. El resultado final son escenas que huyen de lo real y apelan más a las emociones que a lo tangible.

Actualmente, su trabajo está adquiriendo matices cada vez más abstractos. Se encuentra en el proceso de llevar sus imágenes a un nivel cada vez más escultórico. ‘‘No quiero hacer una fotografía documental, quiero salir de lo exótico e indagar en algo totalmente abstracto’’, afirma González Palma.

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Por esa razón, en su obra más reciente Möbius, en proceso desde 2013, experimenta con la abstracción mezclando fotografías antiguas y nuevas con el uso de figuras geométricas y de color. Esta obra provoca una experiencia todavía más intensa donde el artista vuelve de nuevo con su tema de los rostros humanos, pero en esta ocasión imposibles de ver directamente. Los rostros se encuentran deformes sobre el plano y son reconstruidos efímeramente por la mirada del espectador mientras deambula alrededor de la obra.

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Las catrópticas, aparatos espejados que muestran los objetos por medio de la luz reflejada, son las que permiten este efecto visual que hace culminar su obra. Procura que estos objetos cilíndricos den la forma que el espectador y el artista esperan, en el objeto mismo, y no en los fragmentos de fotografías que la rodean. La imagen se crea en el reflejo estableciendo un vínculo entre artista y espectador. Éste último se cuestiona dónde está la realidad: si no hay ninguna posibilidad de semejanza con la realidad o sí puede encontrársela en alguna parte, aun cuando se trata de fotografía.

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En Möbius podemos encontrar impresiones de fotografías sobre fieltro en los que aparecen rostros humanos. El fieltro es un material cálido y espeso que el artista quiere que abrace la mirada del espectador asemejándose con la piel. Quiere aportar a su obra un nivel sensorial donde se perciba el tacto de la piel humana. No es una exposición tradicional fotográfica sino una exhibición que se pregunta sobre la naturaleza de la mirada y de lo visual. Se trata de una obra que arriesga, que se hace preguntas y experimenta sobre sí misma. En ella las lecturas simples no existen, se intuye que el tema principal es la fotografía, la cual se aleja cada vez más de la realidad superficial, incidiendo en zonas vinculadas a la realidad pero en las que hay que saber mirar mucho más allá.

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Con Möbius, González Palma se sirve para explicar la imposibilidad de percibir la realidad, o en este caso una imagen, en su completa totalidad. ‘‘Lo invisible en las imágenes –dice– es lo que las sostiene’’. El artista quiere capturar con su cámara un mundo oculto donde la fotografía funcione de mediadora entre nosotros, lo desconocido y el mundo.

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